Des premiers clichés aux images les plus contemporaines, Paris Photo réunit une photographie qui fait histoire. Du 12 au 15 novembre 2026, la foire de référence en la matière déplie au Grand Palais un panorama d’œuvres et d’artistes qui interrogent ses évolutions techniques, esthétiques et technologiques.
Si le bicentenaire de la photographie est célébré à travers de nombreuses expositions en France comme à l’international, la 29e édition de Paris Photo n’a pas choisi pour autant de lui dédier une rétrospective. Au contraire : « Cet anniversaire n’est pas seulement l’occasion de revenir sur l’histoire de la photographie, mais aussi de considérer ses transformations. […] Dans l’ensemble du Grand Palais, les visiteurs pourront parcourir deux cents ans de photographie en suivant un parcours consacré au Bicentenaire, des œuvres du 19e siècle à celles d’aujourd’hui. […] Plusieurs galeries présenteront des exemples des premiers procédés photographiques, comme les calotypes, les daguerréotypes et les photogrammes, tandis que d’autres proposeront une relecture de l’histoire à travers des œuvres contemporaines. », indique Anna Planas, directrice artistique de la foire.
Avec ses 246 exposants — soit 199 galeries et 48 éditeurs —, venus de 38 pays, Paris Photo confirme son rôle d’éclaireur faisant « émerger de nouveaux artistes, de nouvelles pratiques et de nouveaux points de vue. », comme le souligne sa directrice Florence Bourgeois. Complétés par une programmation d’événements et de conversations diversifiée, les différents secteurs — dont « Émergence », situé au premier étage, qui présente vingt projets monographiques consacrés à la nouvelle génération — nourrissent l’histoire d’un médium qui continue de s’écrire et de se révéler.
Images emblématiques
Nombreuses sont les pionniers de la photographie exposés à Paris Photo. Giorgio Sommer (1834-1914) compte parmi les photographes européens les plus importants du 19e siècle. Documentaires, ses tirages sur papier albuminé répertorient des chefs-d’œuvre d’art antique, des fouilles archéologiques tout autant que des paysages italiens. De l’autre côté de l’Atlantique, après avoir émigré à Buenos Aires en 1935, Grete Stern (1904-1999), ancienne élève du Bauhaus, a contribué au magazine féminin Idilio. Chaque semaine, elle créa entre 1948 et 1951 des photomontages inspirés des rêves envoyés par les lectrices, traduisant ainsi angoisses et fantasmes des classes moyennes en représentations saisissantes, dans un esprit publicitaire.
Métaphore de l’art photographique lui-même, La Main aux yeux (1948) est une œuvre emblématique de Pierre Jahan (1909-2003). Avec ces yeux répartis sur chaque doigt, la main figée ici se révèle dans une voie surréaliste, exprimant autant la fascination pour la vision et la métamorphose que le goût du photomontage. Appartenant aux figures pionnières de l’époque qui considéraient la photo comme un art protéiforme à part entière, Jahan n’a cessé d’expérimenter les limites du médium en s’emparant du photogramme, de la surimpression et du photocollage.
Prestigieuse compagnie itinérante créée par l’imprésario Serge de Diaghilev en 1909, les Ballets Russes ont révolutionné la danse classique par leur modernité. Emil Otto Hoppé (1878-1972) est devenu leur photographe-chroniqueur officiel et exclusif entre 1911 et 1923. Grâce à un accès privilégié aux coulisses et au studio, Hoppé a ainsi pu immortaliser costumes, mouvements et visages qui rendent compte de l’hybridation de la danse et des arts plastiques. Ses portraits, comme celui du danseur polonais Léon Woizikovsky en « Soleil de nuit », constituent le témoignage visuel le plus fidèle de ce qu’était l’impact esthétique réel des Ballets Russes au début du 20e siècle.
Inspirée par le pictorialisme, le cinéma expressionniste allemand et l’esthétique des années 1930, l’oeuvre photographique de Sarah Moon (née en 1941) se distingue par un procédé de tirage pigmentaire artisanal qui rend cet effet de strates évanescentes entourant ses sujets. Entre flou et matité, profondeur chromatique et palette feutrée, ici, tout participe de l’univers onirique, nostalgique et atemporel établi par l’artiste qui avait commencé sa carrière devant l’objectif, comme mannequin de mode.
Photorama émergent
Avec son secteur « Émergence », Paris Photo souligne la dynamique créative portée par la scène contemporaine internationale. Jeune photographe mexicaine, Tania Franco Klein (née en 1990) met en scène des personnages suréclairés, livrés à leur solitude et aux injonctions contradictoires du rêve occidental. Son esthétique, inspirée du cinéma de David Lynch et de la photographie de Jeff Wall, révèle les angoisses silencieuses de nos vies contemporaines. Pour la maison italienne Versace, elle a récemment signé la campagne de la saison printemps-été 2026 où elle offre une vision similaire, ancrée dans le mystère et la fascination, presque hitchcockienne.
À la croisée de la photographie, du textile, de l’installation et d’une réinterprétation critique des mythes, la pratique de Dev Dhunsi (né en 1996) étend l’image aux espaces sculpturaux, sonores et écologiques. Exposée au printemps au Nitja (Lillestrøm), dans une sorte de labyrinthe composé de tissus jacquard, de modules en bambou et de grands formats, A Deity Buffered in Air [thin membrane vibrating] (2026) véhicule une forme de réalisme magique dont l’artiste norvégo-indien aime à s’emparer. Prenant appui sur des archives personnelles, des récits ancestraux et l’histoire diasporique qui a imprégné son enfance partagée entre Trondheim et le Pendjab, son oeuvre offre un espace aux récits négligés.
La série des « Fleurs » de Philippe Jarrigeon (né en 1982) est publiée dans son nouveau photobook, Rocher Fatal (ed. RVB Books), qui s’inspire des mythologies et des mouvements artistiques qui ont façonné la forêt de Fontainebleau. Philosophie ironique et comédie fantastique habitent les tirages issus de ce projet qui retrace la mémoire du paysage sous la forme d’une épopée visuelle où la nature tient le rôle de protagoniste.
Vecteur digital
Depuis son invention en 1826, la photographie a largement conditionné notre manière de voir le monde, n’ayant eu de cesse de renforcer sa présence dans nos vies au gré des innovations techniques. Progressivement, nos yeux se sont habitués aux filtres et aux calques, puis aux images produites par l’intelligence artificielle, qui ont profondément remodelé notre rapport à l’image et à sa vérité. C’est ce terrain du doute et de l’ouverture des imaginaires que le secteur « Digital » de Paris Photo propose de parcourir sous le commissariat de Marco De Mutiis, curateur digital au Fotomuseum Winterthur, en Suisse.
Héritant d’un secteur que sa prédécesseure Nina Roehrs a su imposer comme un véritable laboratoire, ce dernier entend en écrire la suite en misant sur le dialogue entre la création la plus contemporaine et l’histoire bicentenaire du médium. C’est pourquoi il adopte une définition volontairement large du « digital », laissant le terme couvrir aussi bien l’art proprement numérique que des œuvres citant simplement la culture des écrans et l’esthétique des réseaux. Dans le cadre des célébrations des deux cents ans de la photographie, cette ouverture prend un relief particulier, promettant à la fois de revenir aux origines d’une invention ayant bouleversé nos représentations et de se projeter vers les formes qui façonneront celles des siècles à venir. Parmi les treize galeries et plateformes curatoriales réunies, la diversité des propositions s’étend des fleurs numériques de Vincent Fournier (Galerie Au Cube) aux scènes nocturnes et mélancoliques de Summer Wagner (Nguyen Wahed). Et puis, il y a les artistes qui brouillent totalement les pistes : quel est donc ce monde aux surfaces trop lisses, aux couleurs trop acidulées, aux angles trop droits et trop nets que dépeint Dave Kulesza (byGRIDA) ? Avec sa série sur la Corée du Nord, le photographe australien nous entraîne dans une réalité qui a tout d’une fiction. Entre fascination et paranoïa, il nous y promène comme un guide au pays de la suspicion, à coups d’images aussi puissantes qu’inspirantes.
Voix silencieuses
Empreintes ou altérations, le secteur « Voices » sonde, cette année, le thème de la disparition. « La photographie est un art élégiaque, un art crépusculaire. […] Un beau sujet peut cristalliser la tristesse, du fait de son vieillissement, de sa dégradation ou de sa disparition. Toutes les photos sont des memento mori », déclare Susan Sontag dans son essai Sur la photographie paru en 1977. La fonction mémorielle de l’outil photographique est un des axes privilégiés de l’accrochage. « Nous pensons assister à une transformation profonde de la photographie. Ce n’est plus seulement le sujet de la photographie qui risque de disparaître mais la photographie elle-même en devenant instable et vulnérable. Nous ignorons si la photographie telle que nous la connaissons existera toujours dans deux cents ans en raison de l’émergence d’images générées par intelligence artificielle », explique Francesco Zanot, co-commissaire invité du secteur.
Parmi les œuvres réunies pour leur valeur documentaire, celles de l’Italien Guido Guidi (né en 1941) donnent à voir des bâtisses, des établis et des meubles, autant de fragments de paysages périphériques que l’artiste choisit de préserver de l’effacement. Chez Sergiy Solonsky (né en 1957), membre de l’École de photographie de Kharkiv, la disparition s’opère par une altération du motif et une distorsion du réel au moyen d’un photomontage néo-surréaliste. Le noyau historique de la sélection comprend Sign Temperature (1981) du Polonais Krzysztof Zarębski (né en 1939). « Le travail de Zarębski se rattache très directement au thème de la disparition. Ses performances explorent le seuil de la perception à travers le corps. Les objets et les variations de température produisent des expériences sensorielles par essence éphémères. La photographie ne préserve pas l’événement lui-même mais seulement ce qu’il en reste, ses traces. Cette tension entre une expérience qui disparaît et une image qui tente d’en conserver une part est précisément l’une des réflexions centrales de “Voices” », précise Francesco Zanot. •
Paris Photo
Du 12 au 15 novembre 2026 au Grand Palais
17, avenue du Général Eisenhower — 75008 Paris
parisphoto.com
Giorgio Sommer, Psyché de Capoue, Musée de Naples, c. 1870, tirage à l’albumine, 19,3 × 25 cm. © Giorgio Sommer. Courtesy de Barnabé Moinard. Photographies.
Pierre Jahan, La Main aux yeux, 1948, tirage gélatino-argentique, 29 × 23,5 cm. © Pierre Jahan. Courtesy de l’Estate Pierre Jahan et de la Galerie Jean-François Cazeau (Paris).
E.O. Hoppé, Léon Woizikovsky as the Midnight Sun in “The Midnight Sun”, 1919, tirage gélatino-argentique, 14 × 16 cm. © E.O. Hoppé. Courtesy de The Estate of E.O. Hoppé et Curatorial Gallery (Prague).
Grete Stern, Sueño no 5, Botella del mar, 1949, tirage gélatino-argentique, 48 × 38 cm. © Grete Stern. Courtesy de Galería Vasari (Buenos Aires).
Sarah Moon, L’oiseau 1, 2000, 2000, transfert, 43 × 57 cm. © Sarah Moon. Courtesy de l’artiste et de Camera Obscura (Paris).
Dev Dhunsi, A Deity Buffered in Air [thin membrane vibrating], 2026, médias mixtes, 140 × 180 cm. © Dev Dhunsi. Courtesy de l’artiste et de Melk Galleri (Oslo).
Tania Franco Klein, Green Tub, Raven (From Versace SS26), 2026, tirage jet d’encre pigmentaire 100 × 75 cm. © Tania Franco Klein. Courtesy de l’artiste et de ROSEGALLERY (Santa Monica).
Philippe Jarrigeon, Les Fleurs III, 2026, tirage jet d’encre pigmentaire, 32 × 40 cm. © Philippe Jarrigeon. Courtesy de l’artiste et de Womanray (Paris).
Dave Kulesza, Pyongyang Metro 1, 2019, tirage chromogène, 60 × 40 cm. © Dave Kulesza. Courtesy de l’artiste et de byGRIDA (Paris).
Krzysztof Zarębski, Sign Temperature, 1981. Courtesy de Galeria Monopol (Varsovie).
